Arte

2009-12-15T05:13:00.000-08:00

"Es un honor saber que una pieza tuya está al lado de obras de gente tan importante en el mundo del arte contemporáneo"

(escultor Bartolomé Montes López)

El arte contemporáneo se enfrenta con el problema de que “todo está inventado” y, a veces, es difícil que una obra sea entendida por el público y admirada por los críticos artísticos. A pesar de estas dificultades, Bartolomé Montes López es un escultor que ha conseguido introducir una nueva técnica artística basada en el cartón. Nos cuenta su trayectoria profesional y los problemas que existen actualmente

Los artistas de todas las épocas han tenido dificultades para hacerse un hueco en el mundo de la cultura. Algunos murieron en la práctica miseria sin ver el éxito que tuvo su obra años después, como es el caso de Rembrandt. Otros tuvieron cierto renombre al trabajar en la corte del rey de turno, como Velázquez, y sólo unos pocos como Dalí o Picasso pudieron vivir de su obra. Esta situación sigue dándose en la actualidad (sin la corte del rey) y hay que añadir la dificultad de que el arte contemporáneo suele ser incomprendido por el espectador. La escultura no se queda al margen de esta vertiente.

Bartolomé Montes López tiene 30 años y ha conseguido vender una de sus esculturas, “La boda”, al Centro de Arte Contemporáneo de Málaga (CAC). Su obra se caracteriza por trabajar el cartón para crear esculturas diversas. Esta técnica ha provocado admiración dentro del mundo del arte y le ha granjeado varios premios desde 2005 (accésit en la X Edición del Certamen Arte Joven Latina, Ayuntamiento de Madrid) hasta la actualidad (Segundo Premio en el II Certamen Internacional de Escultura con Material Reciclado “RECICLARTE” de Fundación Caja Rural del Sur, Huelva y la Mención honorífica en el Certamen MálagaCrea 2009 del CAC). También ha expuesto su obra en diversas ciudades como Málaga, Madrid, Jaén o Huelva, entre otras.

Foto del artisa con su obra "YOU"

Pregunta: Has recibido varios premios a lo largo de tu trayectoria profesional. ¿Cuál es tu criterio al escoger en los que participas?

Respuesta: Muchos de mis compañeros que presentan sus creaciones a concurso lo hacen de manera arbitraria, no tienen en cuenta las enormes diferencias de criterio entre unos y otros. Por mi experiencia te diré que es conveniente utilizar Internet y ver qué obras han sido premiadas en ediciones anteriores y qué tipo de artistas conforman el jurado, sobre todo, para no malgastar el poco presupuesto que tengas en enviar tu obra. Por supuesto, no es una ciencia exacta y esto ocurre más veces de las que desearíamos.

Figura para "La boda"

P: ¿Por qué te interesaste por la escultura?

R: Te diría que mi primer contacto, por llamarlo de alguna manera, con la escultura fue en mi infancia. Como a cualquier niño, a mí me apasionaba jugar con muñecos, especialmente con figuras bélicas, ya que eran muy realistas en cuanto a su anatomía, expresividad, etc. Eran pequeñas esculturas que yo analizaba minuciosamente de forma visual y táctil y que despertaron en mí al artista que todos llevamos dentro.

Por aquellos años, finales de los ochenta y principios de los noventa, mi madre me compró un tambor y me inscribió en una de las numerosas bandas de Semana Santa que hay en Linares (Jaén). A partir de ese momento pasé de inspeccionar juguetes a escudriñar las formas de las imágenes religiosas. Esto fue una gran enseñanza para mí, que desarrollé de forma individual con la realización de mis primeros bustos en barro.

P: ¿Cuáles han sido tus influencias?

R: Una vez terminado el instituto ingresé en la “Escuela de Artes y Oficios La Casa de las Torres” de Úbeda (Jaén), donde conocí a Antonio Espadas. Es un magnífico escultor que ejercía como profesor de modelado, aunque para mí fue más que eso. Fue mi maestro para la vida personal, espiritual y profesional y, sin duda, se convirtió en un ejemplo a seguir como artista y, sobre todo, como persona y cuyas enseñanzas me han acompañado hasta el día de hoy. Él ha sido mi verdadero maestro.

P: ¿Consideras que es importante tener estudios de Bellas Artes para ser un buen artista?

R: Creo que no. Académicamente hablando, la facultad para mí no ha significado casi nada. Bueno, sí, me ha dejado ver de cerca el mundo del arte contemporáneo, pero de una forma muy personal. En mi periplo por tres universidades diferentes de la geografía española (Altea, Salamanca y Málaga), he conocido al alumno-artista que yo llamo “el ataque de los clones”, por su inquietante parecido estético, por su falta de argumentos propios y, sobre todo, por dar la impresión de una evidente falta de experiencia de vida. Son como loros repitiendo en sus discursos artísticos planteamientos de otros artistas que llegan a eclipsar completamente su personalidad, por no hablar de su producción artística. Es absurdo, ya que los artistas que más admiran estos “clones” suelen ser los más radicales y los que más reniegan de lo académico. Por esto resulta tan patético verlos presentar trabajos en clase envueltos en un postizo halo de postmodernidad buscando su sobresaliente. Es realmente de locos.

P: Como has mencionado, has estudiado en Alicante, Salamanca y Málaga, ¿cuál es el motivo de estos cambios?

R: Cuando llevas demasiado tiempo en un lugar te estancas y Bellas Artes dura entre cuatro o cinco años, dependiendo del plan de estudios de cada universidad y de si te van bien las cosas. Otro aspecto crucial es el poder vivir en diferentes ciudades con el poso que, lógicamente, deja cada una de ellas en ti. Lo que busco es enriquecerme al máximo.

P: En el caso de la obra que has vendido al CAC, ¿cómo fue el proceso: se pusieron en contacto contigo o se la ofreciste tú?

R: Fue a través del concurso para jóvenes creadores malagueños o residentes “MálagaCrea” 09, que para mí fue muy especial por la forma en que se produjo. Tras la entrega de premios, donde no había conseguido ningún galardón, Fernando Francés, director del CAC, se acercó a mí para manifestar su interés personal por la obra y, de paso, su disconformidad con el criterio del resto del jurado, ya que él mismo formaba parte de él.

"La boda"

P: ¿Qué sientes al saber que tu arte está en un museo tan importante?

R: Imagínate, es un honor saber que una pieza tuya está al lado de obras de gente tan importante en el mundo del arte contemporáneo como Louise Bourgeois, Olafur Eliasson, Julian Opie, Thomas Ruff o Juan Muñoz, entre otros.

Vídeo de una noticia sobre Juan Muñoz (1:52')

2009-12-13T02:13:00.000-08:00

“Lágrimas de Eros” II

La Fundación Caja Madrid acoge esta exposición en 5 salas, que se centran en el tema de la muerte desde un punto de vista erótico. Es el complemento de la muestra del Museo Thyssen-Bornemisza, donde la temática gira en torno a la sexualidad.

La muerte, como en la vida misma, se muestra a través de obras artísticas que tratan el tema desde un doble aspecto: de forma suave y embellecida, como si se tratara de un sueño, o utilizando los aspectos más terroríficos de la misma. La Sala de las Alhajas de la Fundación Caja Madrid acoge una parte de la exposición “Lágrimas de Eros”, realizada en colaboración con el Museo Thyssen-Bornemisza.

La primera de las cinco salas se centra en el mito de Apolo y el príncipe espartano Jacinto, que murió al ser golpeado accidentalmente por el disco que lanzó este dios. El erotismo está presente en cada obra que nos muestra la belleza del cuerpo fallecido de Jacinto. Rubens nos da su versión particular en el cuadro “La muerte de Jacinto”. Una variación del mito es introducida por Giambattista Tiepolo al concebir en “La muerte de Jacinto” que éste falleció al ser golpeado por una pelota de tenis. Una de las obras más destacables es “La muerte de Jacinto” de Mérry-Joseph Blondel, donde ambos protagonistas son tratados en primer plano, con el cuerpo desnudo y una blancura espectacular en la que resaltan sus dorados cabellos como si se tratase de la imagen de la inocencia más pura.

En la misma línea sigue la sala Endimión dormido. Este pastor poseía una belleza de tal magnitud que la diosa de la Luna se enamoró de él y pidió a Zeus que le sumiera en un sueño eterno para poder contemplarle siempre. Esta temática es representada por autores como el ya mencionado Rubens, Guercino, Luca Giordano y Gérard de Lairesse (página en inglés). Destaca la escultura de mármol “Endimión dormido” de Antonio Canova, situada en el centro de la sala, así como el vídeo realizado por Sam Taylor-Wood, donde aparece David Beckham durmiendo.

Dejando al margen al hombre como víctima de la muerte, Cleopatra (página en inglés) y Ofelia pasan a ser las protagonistas en Bellas suicidas. Cleopatra y Ofelia. “Durmiente, caballo, león invisible” y “Sueño causado por el vuelo de una abeja alrededor de una granada un segundo antes de despertar” de Dalí han sido expuestos como parte de esta sección, un poco ajenos a la temática abordada. “La muerte de Cleopatra” es el título escogido por autores como Jean François Gigoux, Hans Makart o la formidable obra de Jean-André Rixens con una espectacular Cleopatra muerta y desnuda. La fotografía toma cierto protagonismo en esta sala gracias a Tom Hunter (página en inglés), Sam Taylor-Wood y Gregory Crewdsona con “Sin título (Ofelia)”, donde retrata una habitación inundada de agua con el cuerpo de una mujer flotando.

"La muerte de Cleopatra" de Jean-André Rixens

Magdalena penitente aborda el tema de la muerte a través del uso de la calavera presente en el lugar de meditación de Magdalena, representada desnuda y cubierta por su largo cabello. Figuran obras de pintores como Jules-Joseph Lefebuvre (página en inglés), Pierre Puvis de Chavannes (página en francés) y Luca Giordano. Antonio Canova vuelve a impresionarnos con su escultura “Magdalena yacente”.

La última sala, Cazadores de cabezas, toma como ejemplo a tres parejas: Salomé y el Bautista, Judit y Holofernes y David y Goliat. La obra “Salomé” de Lucien Lévy-Dhurmer emplea magníficamente la técnica del pastel y grafito. “Judit con la cabeza de Holofernes” de Francesco del Cairo y “David con la cabeza de Goliat y dos soldados” de Valentin de Boulogne son otros ejemplos de las cuadros expuestos.

No sólo la originalidad de la temática que envuelve la realización de esta exposición, sino la oportunidad de poder ver las obras de los grandes artistas que aparecen en ella, son algunos de los motivos por los que “Lágrimas de Eros” está teniendo tanto éxito. Ningún aficionado al arte puede pasar por alto el hecho de que las obras están expuestas tanto en el Museo Thyssen-Bornemisza como en la Fundación Caja Madrid.

Vídeo sobre la obra de Lucien Lévy-Dhurmer (1:52")

2009-11-29T06:04:00.000-08:00

“Lágrimas de Eros” I

El Museo Thyssen-Bornemisza y la Fundación Caja Madrid acogen esta exposición basada en el último libro de Georges Bataille sobre la íntima relación entre Eros y Tánatos, la sexualidad y la muerte. Un total de 12 salas repartidas entre ambos organizadores exhiben una amplia muestra de artistas de todas las épocas.

La exposición “Lágrimas de Eros” toma su nombre del último libro escrito por Georges Bataille (Les Larmes d’Éros). Sin embargo, la idea principal se basa en otra obra del mismo autor, “El erotismo”, donde trata la íntima relación entre Eros y Tánatos, la petit mort del orgasmo como anticipación de la muerte, tal y como indica la propia explicación de la exposición. Un total de 12 salas acogen esta temática tratada de diversa forma en cada una de ellas a través de un mito grecorromano o judeo-cristiano diferente.

El Museo Thyssen-Bornemisza comienza la exposición con su primera sala: Nacimiento de Venus. Se trata de la belleza pura e intacta, a pesar de que esta diosa nació del semen de Urano, según la mitología grecorromana. Una escultura de Rodin (página en inglés) sobre “El nacimiento de Venus”, junto a la fotografía de Rineke Dijkstra (página en inglés) de una muchacha con bikini naranja y numerosos cuadros de grandes artistas como William Adolphe Bouguereau con “Bañista” y John Currin con “Honeymoon nude”, entre otros, muestran su visión sobre este mito.

"Homeymoon nude" de John Currin

En Eva y la serpiente se muestra a Eva tentada y tentadora. Artistas como Jan Gossaert y Giuseppe Cades pintan la versión tradicional en la que aparecen Adán y Eva, pero otros autores optan por una visión más moderna que se centra exclusivamente en Eva. Es el caso de la fotografía de la actriz Rachel Weisz enroscada en una serpiente, del artista James White o el cuadro de Franz von Stuck, “El vicio”. Esfinges y sirenas, se basa en la secreta seducción y la amenaza de la muerte en el agua. “Esfinge (Venus)” de Marc Quinn es una impresionante escultura de bronce pintada de blanco en la que se representa a Venus en una postura contorsionista casi imposible. Uno y otro mito son tratados por artistas de la talla de Gustave Moreau con “La esfinge victoriosa”, Elihu Vedder (página en inglés) con “La esfinge de la orilla”, Camille Corot con “La fuente” o la famosa obra “Mujer en las olas” de Gustave Courbet, traída del Metropolitan Museum of Art.

"Sin título" de James White

"Esfinge (Venus)" Marc Quinn

Las dos salas siguientes introducen la temática religiosa relacionada con la idea de toda la exposición. En Tentaciones de san Antonio se presenta la idea del voyeur, ya que este santo tuvo visiones diabólicas durante su retiro, muchas de ellas de carácter sexual. Entre las obras destacan dos aguafuertes de Picasso, “La tentación de san Antonio” de Paul Cézanne y dos obras del pintor español Antonio Saura. El Martirio de san Sebastián ha sido tratado por la exposición como una expresión de la agonía y el éxtasis y se ha convertido en un icono gay. Bernini nos muestra una espectacular escultura de mármol de san Sebastián herido por una flecha. Ribera, Bronzino y Guido Reni, entre otros, también dan su versión particular de este tema.

"San Sebastián" de Bernini

Andrómeda encadenada exhibe el erotismo basado en la dominación y la sumisión representado en la figura de Andrómeda atada a una roca y rescatada por Perseo, según la mitología. “El caballero errante” de Millais plasma el momento en el que Perseo está liberando a Andrómeda. Gustave Doré (página en inglés) opta por representarla atada a la roca a punto de ser devorada por el monstruo en “Andrómeda”. “Las rosas sangrantes” de Dalí también se expone en relación con este mito. Esta sección se completa con obras de otros autores como Rubens o Penrose.

"Andrómeda" de Gustave Doré

La séptima y última sala de la parte de la exposición acogida por el Museo Thyssen es El beso. Se trata la culminación amorosa en la pareja como un bondage o esclavitud mutua. Los amantes quieren fundirse en un solo ser de forma violenta, con la pasión caníbal por devorar al otro o por vampirizarlo, según la propia organización. “El beso” de Warhol toma una imagen de Bela Lugosi (página en inglés) a punto de morder a su víctima. Se exhibe la obra “El vampiro” de Munch que, como ya informamos la semana pasada en esta sección, fue robada en 1988 y recuperada más tarde. También destaca la escultura “Cristo y la Magdalena” de Rodin, Franz von Stuck (página en inglés) está presente en esta sala al igual que en muchas otras de toda la exposición, Max Ernst y el vídeo “Transformarse en luz” de Bill Viola (página en inglés).

La exposición “Lágrimas de Eros” continuará hasta el 31 de enero. El Museo Thyssen-Bornemisza le dedica siete salas centradas en los peligros mortales de Eros, mientras que la Fundación Caja Madrid dispone de cinco salas que se centran en la temática de la muerte. La semana que viene nos centraremos en ellas.

2009-11-22T07:15:00.000-08:00

Una obra de Munch ha sido robada en Oslo

La sustracción del cuadro "Separación II" de la Galería de Arte de Berntsen Kaare se produjo en junio, pero las autoridades noruegas han informado de ello esta semana. Se trata del segundo robo que tiene lugar en Oslo en los últimos meses de litografías de Edvard Munch.

La litografía "Separación II" de Munch fue robada entre el 12 y el 25 de junio de la Galería de Arte de Berntsen Kaare. La noticia ha sido conocida esta semana porque la cadena de televisión pública noruega NRK descubrió el nombre de la obra en una lista de la Interpol de cuadros robados. El dueño de la galería, Thomas Berntsen, quería mantenerlo en secreto y afirma que "no se sabe con certeza cuándo ocurrió ni cómo, pero el robo se detectó el 25 de junio". El hecho se supo en el momento en el que la galería se mudó de local y trasladó su colección.

La obra muestra a un hombre y a una mujer con el largo cabello rubio al viento separándose, con una playa de fondo. Está valorada en unos 300.000 € (2,5 millones de coronas noruegas). La policía sólo ha conseguido encontrar el Citröen blanco con matrícula DN-19810 en el que se subieron los ladrones tras cometer el delito, según afirman los testigos. El vehículo robado fue encontrado delante de la embajada británica en Oslo. La televisión NRK informó (vídeo en noruego 1:14'') que los ladrones rompieron un cristal para acceder a la galería, con un modus operandi similar al robo de otras obras de Munch.

Las obras de Munch son muy valoradas por los ladrones

El mismo método de romper la ventana de una galería de arte y huir en un coche blanco robado fue usado en el robo de la litografía "Historia" de Munch. Esta vez fue la galería Nyborg Kunst (página en noruego e inglés), del centro de Oslo, la escogida como víctima. "Se trata de un valioso cuadro, una impresión única coloreada a mano", tal y como declaró a la radio pública noruega NRK Pascal Nyborg, dueño de la galería. La obra está valorada en 240.000 € (unos 2 millones de coronas noruegas) y la policía baraja la posibilidad de que el robo se realizara por encargo.

Uno de los golpes más duros para la obra de Edvard Munch fue el robo de "El Grito" de la Galería Nacional de Oslo (página en inglés) en 1994. Los ladrones dejaron una tarjeta en la que decían: "Gracias por la poca seguridad". La obra fue recuperada tres meses después. Uno de los ladrones, Paal Enger, ya había sido detenido por el robo de "El Vampiro", del mismo autor, en 1988. Otra versión de "El Grito" junto con la "Madonna" fueron robadas a mano armada por tres hombres en 2004 del Museo Munch. Ambos cuadros fueron recuperados dos años después, pero con graves daños. El Museo decidió exponerlos antes de comenzar su restauración, a pesar de que los daños eran irreparables en el caso de "El Grito" (vídeo en inglés 1:23''). Tres de los seis ladrones fueron condenados con penas de cárcel entre 4 y 8 años.

El Grito

Madonna

Tal y como señala Morten Zondag, experto en Munch, "da mucho estatus tener un Munch en la pared". Si ésta es la creencia generalizada entre los amantes del arte, los cuadros de Munch pueden seguir siendo objeto de robo debido a la poca seguridad que presentan las galerías de arte de Oslo.

Vídeo 3:12''

2009-11-10T04:24:00.000-08:00

"Mirar y ser visto" de Tiziano a Picasso

La Fundación Mapfre acoge hasta el 20 de diciembre una exposición de retratos procedentes del Museu de Arte de Sao Paulo Assis Chateaubriand con pintores renombrados como Velázquez, Goya, Cézanne o Picasso. El objetivo es demostrar la transformación que han sufrido los retratos a lo largo de las diversas técnicas pictóricas preponderantes en cada momento.

El "Retrato del Duque de Olivares" de Velázquez y "Retrato del Cardenal Cristoforo Madruzzo" de Tiziano son las primeras obras que encuentra el visitante al acceder a la exposición "Mirar y ser visto. De Tiziano a Picasso" que acoge la Fundación Mapfre. Se divide en dos secciones diferenciadas en verde y en azul: retratos de solemnidad y retratos modernos. La finalidad es mostrar cómo el tratamiento de los personajes ha evolucionado a lo largo del tiempo.

En un primer momento, los pintores intentaban sacar lo mejor de sus modelos, hasta el punto de eliminar sus fallos. Es el caso del cuadro que se expone de Van Dyck y los tres de Hals. Este pintor realizó más de treinta parejas de retratos entre los que figuran "El capitán Andries van der Horn" y su esposa "Maria Pietersdochter Olycan". La importancia del detalle aparece en los brillos de las joyas que luce la mujer del capitán y destaca el escudo en el cuadro como muestra del carácter noble del retratado.

"Maria Pietersdochter Olycan" de Hals

"El capitán Andries van der Horn" de Hals

Las cuatro obras de Goya suponen un cambio, porque se empieza a retratar a los personajes tal y como son, sin omitir sus defectos. El propio pintor plasma su simpatía hacia el retratado según la forma de pintarlo. En "Retrato del Cardenal Luis María de Borbón y Vallabriga" el personaje aparece sobre un fondo totalmente nego, mientras que en "Retrato de don Juan Antonio Llorente" el fondo tiene unos colores mucho más cálidos y el modelo aparece con un rostro afable.

Las obras traídas del Museu de Arte de Sao Paulo Assis Chateabriand (MASP) incluyen a otros artistas renombrados como Raeburn, pintor del rey Jorge, Gainsborough, Honoré Fragonard, Simeón Chardin o Dominique Ingres, con "Angélica encadenada", de la que existe otra versión en el Musée d'Orsay.

"Angélica encadenada" de Dominique Ingres

Retratos modernos

La sala pasa al color azul para resaltar el hecho de que vamos a comenzar a ver cómo el artista se involucra en el retrato para mostrar su particular perspectiva. Este cambio no es tan radical en los dos cuadros de Coubert que se exponen de sus dos hermanas. Sin embargo, Camille Corot ya empieza a mostrar una técnica algo diferente y original en "Gitana con mandolina", pero también tiene otras obras en las que continúa con el retrato tradicional, como el de su cuñado.

"Gitana con mandolina" de Camille Corot

La involucración del artista en el cuadro es patente en los tres de Cézanne: "El negro Escipión", "Paul Alexis lee un manuscrito a Zola" y "Madame Cézanne vestida de rojo". La muestra continúa con Renoir, Manet y Modigliani sorprende con "Renée" y sus ojos brillantes en vez de la mirada vacía que suele usar el artista. La obra de Toulouse Lautrec es merecedora de cuatro retratos entre los que se encuentra "El señor Fourcade". Se ha discutido mucho si esta obra estaba finalizada o no y se ha considerado que estaba acabada porque fue expuesta en vida del autor en el Salón des Indépendants en 1889.

Esta fantástica muestra, abierta hasta el 20 de diciembre, tan ilustrativa de las técnicas empleadas en el retrato, finaliza con "Busto de hombre" de Picasso como ejemplo de que un pintor es capaz de plasmar la esencia de una persona sin necesidad de tener que mostrar cada detalle de su físico.

Vídeo sobre Picasso

2009-11-01T03:42:00.000-08:00

El Museo Sorolla recoge la muestra más representativa del autor

Más de un centenar de cuadros del pintor se exponen en el museo situado en su casa. Se trata de la mayor colección de su obra que existe en nuestro país. Las salas se organizan según las diferentes etapas de su producción artística. Se conserva el mobiliario de la época de Sorolla y se ha mantenido la disposición del mismo.

Una espectacular casa de dos plantas rodeada de tres jardines diseñados por el artista llama la atención en pleno centro de Madrid. Se trata del Museo Sorolla, ubicado en la que fue vivienda del propio pintor. Consta de siete salas, una salita antecomedor, un comedor y un salón.

La planta baja está formada por los tres estudios de Sorolla y se ha intentado mantener su estructura con el mobiliario original. Entre las obras expuestas, destacan las copias que realizó de algunas pinturas de Velázquez como Las Hilanderas o Menipo. También existen algunos paisajes y retratos de su familia y de él mismo.

La Sala II recoge la temática más representativa del pintor: la playa. Valencia, Biarritz y Mallorca son los lugares más utilizados. La bata rosa o después del baño ocupa un lugar privilegiado en la habitación debido a su gran importancia. Los niños desnudos en la arena, las mujeres de blanco paseando a la orilla del mar…son representados con pinceladas difuminadas y una gran luminosidad.

En la Sala III destacan otros tres cuadros de la misma temática que la anterior: Después del baño, Valencia; La hora del baño, Valencia y Paseo a orillas del mar. Granada, Sevilla y los propios jardines de la casa de Sorolla son un tema recurrente en sus paisajes.

En la segunda planta, la Sala IV continúa con la temática de la playa en El baño del caballo y Niñas en el mar. Empieza a destacar el costumbrismo español del artista gracias a Moro con naranjas o Las guitarristas, costumbre valenciana. En las otras tres salas se exponen paisajes y retratos. En la Sala VI aparecen los estudios preparatorios para la decoración de The Hispanic Society of America de Nueva York, que realiza Sorolla entre 1912-1919. De todos ellos, Tipos del Valle de Ansó es la pieza del trimestre del Museo, por lo que se realiza una explicación detallada de la misma a las 12:30 los días 25 de octubre, 29 de noviembre y 13 de diciembre.

Exposición del Prado

El Museo del Prado realizó una exposición sobre Sorolla (vídeo 5') desde el 26 de mayo al 6 de septiembre, pero el éxito de la misma hizo que se prorrogara una semana más. Se expusieron retratos y desnudos con influencia de Velázquez, escenas de playa, los catorce paneles de las Visiones de España pintados para la Hispanic Society of America y sus paisajes.

Desnudo de mujer

Del centenar de obras expuestas, muchas pertenecían a particulares, pero más de una docena fueron cedidas por el Museo Sorolla. Otros cuadros eran del propio Museo del Padro, del Banco de España, del Museo de Bellas Artes de Valencia; Musée d’Orsay (París), Gavin Graham (Londres), Museo Nacional de Bellas Artes de Cuba (La Habana), The Hispanic Society of America (Nueva York)… Este último posee la muestra más representativa del autor fuera de España.

Repercusión internacional

Sorolla era un pintor muy conocido en su época, no sólo en España. Realizó múltiples exposiciones individuales por todo el mundo: en París (1906), Berlín, Dusseldorf y Colonia (1907), Londres (1908), Nueva York, Buffalo y Boston (1909)… La de Nueva York fue la más existosa con 160.000 visitantes. Antes de 1900 tenía obras expuestas en museos de París, Venecia, Saint-Louis, Madrid y Buenos Aires.

La utilización de diversas técnicas por parte de Sorolla en su obra es un motivo por el que fue considerado uno de los mejores pintores de su época y aún hoy son un éxito todas las exposiciones realizadas sobre él, pero pocos son conscientes de que en Madrid se encuentra una de la mejores representaciones de su obra.

2009-10-25T03:22:00.000-07:00

La obra de Maíno llega al Prado

El 20 de octubre se inauguró en el Museo del Prado la exposición de Juan Bautista Maíno. Cuenta con un total de 35 obras divididas en ochos secciones, así como cuadros de otros autores que han influido en la carrera del artista como Caravaggio o El Greco.

Juan Bautista Maíno (1581-1649) es uno de los artistas españoles más desconocidos, a pesar de su clara influencia en grandes pintores de nuestro país como Velázquez y haber aprendido gran parte de su técnica del italiano Caravaggio. Uno de los motivos es que no se dispone de mucha información sobre su biografía y la atribución de sus cuadros ha sido muy discutida. La exposición que acoge el Mus eo del Prado sobre el artista incluye siete obras que por primera vez aparecen como suyas y otras catorce que nunca han sido vistas en España.

La exposición está patrocinada por la Fundación Amigos del Museo del Prado y ha sido objeto de una campaña publicitaria que comenzó hace unos meses pero que se ha intensificado en los últimos días. El rey mago Baltasar, del cuadro La Adoración de los reyes magos, ha sido el personaje escogido para los carteles publicitarios que aparecen en el metro y en las marquesinas de los autobuses. En la propia página del Padro se ha realizado un vídeo promocional de este artista poco conocido por los españoles. También se ha creado un catálogo sobre Maíno que recoge la labor de investigación sobre el artista y cuenta con cuatro ensayos, dos de ellos escritos por la comisaria de la exposición, Letizia Ruiz.

Gabriele Finaldi, director adjunto de conservación del Museo, ha señalado que 20 de los cuadros expuestos han necesitado restauración por encontrarse en "un estado bastante comprometido". La comisaria de la exposición declaró en una entrevista realizada por l a COPE que "la escasa producción y los escasos datos biográficos del pintor siempre han ido echando para atrás el proyecto" de realizar esta exposición. Además, es "un pintor cada vez más apreciado en el extranjero y, especialmente, por los estudiosos de la pintura caravaggista". Lo define como una "rara avis" ya que trabaja en España, sobre todo, pero permanece fiel a lo que ha aprendido en Italia. "Es un italiano continuamente en España".

La obra de Maíno

Este pintor realizó un total de 40 obras a lo largo de su vida. Su labor se vio ralentizada en el momento en el que ingresó como dominico en el convento de San Pedro Mártir. Este hecho influyó en su obra, como puede verse en algunas de sus pinturas (La Magdalena penitente, San Juan Bautista...).

La exposición se divide en ocho secciones: composiciones para el Retablo de Pastrana en Guadalajara, obras en pequeño formato, paisajes, retratos, el Retablo de San Pedro Mártir, representaciones de la santidad y La recuperación de la bahía del Brasil.

Entre todas las obras expuestas, debemos destacar las realizadas sobre cobre, ya que no son muy típicas en la pintura española. Es el caso de San Juan Bautista en un paisaje al atardecer y Paisaje con María Magdalena penitente. Estos cuadros son también excepcionales por su tamaño, ya que Maíno solía pintar obras de gran tamaño.

Sus paisajes se caracterizan por ser paralelos y porque la vegetación se refleja en el agua, como puede observarse en la obra San Antonio Abad en un paisaje o San Juan Evangelista en Patmos. Frente a los paisajes debemos tener en cuenta los retratos que realizó. Destaca Retrato de caballero, expuesto junto a Retrato de un caballero desconocido de el Greco, con el objeto de observar cómo Maíno se vio influido por la obra de este pintor, que le eclipsó en el Toledo de la época. Se trata de uno de los pocos cuadros de Juan Bautista que están firmados por él. Retrato de un fraile ha sido considerado un autorretrato del autor, aunque sigue siendo discutido.

Retrato de un fraile

En cuanto a los cuadros sobre la santidad, resaltan los dos de Santo Domingo en soriano (uno del Ermitage y otro del Prado), porque Maíno se hizo bastante famoso al realizar esta obra para el convento de Atocha, pero se quemó. San Pedro arrepentido es una muestra de la influencia de Caravaggio, ya que lo representa con las piernas cruzadas y las manos entrelazadas en torno a ellas, con una magnífica expresividad al parecer que el gallo acaba de cantar y ver que las lágrimas de San Pedro están a punto de caer. Aparece junto a la misma obra de Luis Tristán. San Jacinto se expone por primera vez y se asemeja a los murales realizados por el pintor para la iglesia de San Pedro Mártir. Por otro lado, aparece el Retablo de la Trinidad del convento de concepcionistas de Pastrana, formado por La Anunciación y La Trinidad.

Otra de las joyas de Maíno es La recuperación de bahía de Brasil, que forma parte de la serie de cuadros de batallas en el Salón de Reinos del Buen Retiro. En él aparece a la derecha un tapiz mostrado a los holandeses vencidos en el que está representado Felipe IV coronado por Olivares y Minerva, mientras pisa los cadáveres de Herejía, Ira y Engaño como enemigos de la Monarquía. A la izquierda están las víctimas y los heridos curados por sus mujeres. Se duda de si la figura femenina rodeada de niños representa a la caridad cristiana. Debemos tener en cuenta que la relación de Maíno con Felipe IV comenzó cuando pasó a ser su profesor de dibujo.

La recuperación de bahía de Brasil

Retablo de la iglesia de San Pedro Mártir de Toledo

Está formado por un total de diez cuadros de Maíno, aunque actualmente pertenecen al Museo del Prado. En la parte baja encontramos San Juan Bautista en un paisaje, a la izquierda, y San Juan Evangelista en la isla de Patmos, a la derecha. Encima de ellos, La Adoración de los pastores y La Adoración de los reyes magos. El primero de ellos se expone junto a la obra del mismo nombre de El Greco para mostrar las semejanzas y diferencias entre ellos. Maíno realizó diferentes versiones sobre este cuadro en las que la Virgen suele estar más idealizada y de las tres que se exponen una está firmada por el pintor. En cuanto al otro, pueden verse obras de la misma temática de autores como Luis Tristán y Diego Velázquez. Se cree que el peregrino que aparece tras el rey Baltasar puede ser el propio artista autorretratado.

Después están las pinturas de Pentecostés y La Resurrección de Cristo. La primera obra se caracteriza por relegar a la Virgen María a un lateral, junto a María Magdalena y sitúa al apóstol Lucas escribiendo como centro de todo. Existe otra versión espectacular de esta pintura en la que la Virgen es la protagonista junto a una María Magdalena en primer plano. En la Resurrección destaca un pastor de espaldas, que ya aparece en una de las versiones de la adoración de los pastores. Por encima se encuentran San Antonio Abad en un paisaje y La Magdalena penitente en la gruta de Sainte-Baume.

Pentecostés

El retablo de la iglesia de San Pedro Mártir de Toledo finaliza con los cuadros de Santa Catalina de Siena y Santo Domingo de Guzmán, mostrando que la oración y la mortificación es el estilo de vida de las mujeres, mientras que el de los hombres es la erudición y predicación.

La exposición de Maíno permanecerá abierta al público hasta el 17 de enero, para disfrutar de sus obras y de las de otros autores que tienen mucho en común con él, hasta el punto de haber confundido la autoría de los cuadros entre unos y otros. En todo caso, la presencia de Caravaggio puede entreverse en las diferentes pinturas y en las que se exponen de él.

Vídeo de Juan Bautista Maíno

2009-10-18T03:22:00.000-07:00

La Casa Encendida acoge la exposición "Camuflajes"

La idea del camuflaje ya no puede limitarse al mundo militar. Un total de 33 artistas nos muestran su visión particular sobre este nuevo movimiento artístico que es el protagonista de sus obras. El vídeo, la fotografía y la pintura son los soportes escogidos para tratar el problema global de la identidad con ironía y sentido del humor. La exposición comisariada por Maite Méndez Baiges y Pedro Pizarro finaliza el 1 de noviembre.

La obra del mexican o Manuel Cerda Entre aquí y ahora nos obliga a usar unas gafas rojas y azules para ver el verdadero cuadro que se esconde tras el que encontramos a simple vista y que nos muestra a una mujer desnuda gritando, con una frase pintada en su pecho: Get you colonic shame off my breasts. Buscar al propio artista que se fusiona con las paredes del cuadro tomadas de escenas cotidianas de la vida de China es la labor de Liu Bolin en las dos fotografías que se exponen de él. Un estilo similar lo podemos encontrar en la obra de Laurent La Gamba, que escoge las estanterías de un supermercado y una piscina para mimetizar al modelo con el ambiente. Son algunos de los ejemplos que encontramos en la exposición "Camuflajes", inaugurada el 18 de septiembre en la Casa Encendida y que finaliza el 1 de noviembre.

El objetivo de esta exposición es que los visitantes se cuestionen la realidad. Los comisarios Maite Méndez Baiges y Pedro Pizarro la definen como "una metáfora de lo contemporáneo". Se trata de un nuevo movimiento artístico que llega por primera vez a Madrid con una muestra tan fuerte de 33 artistas renombrados como L eo Fabrizio, Carmen Mariscal especializada en fotografía y amante de la "feminidad" como ella misma dice, el japonés Yasumasa Morimura con sus dos fotografías sobre Vietnam y el asesinato de Oswald, Alfredo Jaar presenta su edificio con ventanas llenas de vídeos, Laura Marte... Se trata de reflexionar a través de todas estas obras sobre la construcción de la identidad, la vigilancia y el control de la sociedad moderna, el simulacro, el disfraz o la máscara, según la descripción aportada por la propia Casa Encendida.

Tradicionalmente el camuflaje se asocia a los uniformes militares, pero esta exposición nos demuestra que no son la única forma de confundirse con el paisaje. Sin embargo, no podemos olvidar los ejemplos artísticos que se limitan al camuflaje militar. Adonis Flores nos muestra un primer plano de un rostro con la lengua fuera pintada con los colores típicos del camuflaje militar. Los españoles José Ramón Amondarain, Juan Luis Moraza y Mateo Maté presentan, respectivamente, dos fotografías con colores propios del camuflaje militar; un vídeo de una habitación camuflada con una pareja que rueda por el suelo, mientras el espectador puede disfrutar del visionado sentado en un sillón tapizado con el uniforme militar de camuflaje y recibe un masaje corporal, y paisajes que plasman la naturaleza, pero diferenciando los colores propios de los diversos ejércitos de cada país.

Formato vídeo

La fotografía es el soporte predominante en esta exposición, pero el vídeo no se ha quedado atrás. Monica Duncan y Lara Odell se han unido para exponer tres vídeos con imágenes fijas donde los personajes se confunden con el paisaje o resaltan sobre el mismo al llevar una prenda de un color llamativo que combina con un sólo elemento del fondo.

Monica Duncan y Lara Odell

Eleanor Andin presenta su vídeo The ballerina and the Bum y al lado encontramos los dos del español Domingo Sánchez Blanco. Emilio Fantin presenta la obra audiovisual Un soir d'eté y Ria Pacquée con Madame going to a Dogston. En la pantalla más grande de toda la exposición se proyectan los vídeos de dos italianos: Cesare Viel con To the lighthouse. Cesare Viel as Virgina Wolf y Ottonella Mocellin con Enduring Love. Y el español Rogelio Lopéz Cuenca con un vídeo que recoge una nuestra de los anuncios que podemos ver en televisión.

Los españoles en el camuflaje

Los diez artistas españoles que exponen en esta muestra son una representación bastante considerable: Ángeles Agrela, Domingo Sánchez Blanco, Carlos Miranda, Joan Fontcuberta, Maider López, Chema Cobo, José Ramón Amondarain, Mateo Maté, Juan Luis Moraza y Rogelio López Cuenca.

Entre ellos podemos destacar la obra de Joan Fontcuberta donde nos muestra sus cinco versiones particulares del El caballero con la mano en el pecho de el Greco. Una mano diferente, otros ojos, una espada moderna...hacen que un cuadro clásico parezca otro totalmente distinto. Maider López prefiere la fotografía a la pintura para destacar a los personajes que visten una prenda de un color semejante al de algún elemento que aparece en la escena captada por su objetivo. Un total de 16 fotografías nos muestran este efecto.

Otros autores destacables

No podemos olvidar a los demás artistas internacionales presentes en esta exposición como las cuatro fotografías de Gina Zacharias donde la modelo viste como el papel que cubre la pared delante de la que posa. La marroquí Lalla Essaydi con sus cuatro fotografías de cuatro mujeres árabes que apenas se diferencian de un fondo claro con letras propias de su idioma. Sonia LaMur y su Atrapada en la red donde se fotografía de forma muy sugerente, como muestra de su estilo particular. Harvey Opgenorth coloca a sus modelos masculinos delante de obras renombradas como un Matisse y los viste de tal forma que parecen parte del cuadro, incluyendo hasta la sombra que el mismo proyecta en la pared donde está colgado.

Lalla Essaydi

Gina Zacharias

Desiree Palmen fusiona a su modelo con una escalera de una calle empinada, hasta el punto de que los propios viandantes no son conscientes de su presencia, según podemos ver en el vídeo explicativo de su obra. Tampoco podemos dejar de mencionar a Cesare Pietroiusti y Leo Fabrizio.

La joya de la corona parece ser Francesca Woodman por el propio tratamiento que se realiza de esta artista por parte de la organización de la exposición. Es la única que tiene un folleto explicativo de su vida y obra. Cuenta con 7 fotografías en blanco y negro en las que posa ella misma. Sus brazos se convierten en ramas de árbol y en otras aparece desnuda con fragmentos del papel de la pared pegados a ella en un intento de unirse a la habitación. Murió a los 22 años de edad, cuando se tiró desde una ventana.

Francesca Woodman

Todas los obras expuestas muestran la preocupación de sus autores ante la posibilidad de la pérdida de la identidad propia de cada individuo. Se trata de una oportunidad única para conocer un nuevo movimiento contemporáneo que no deja indiferente a nadie y nos hace reflexionar, en un sentido u otro, al ver las diferentes visiones que se muestran.

Vídeo Eleanor Antin (inglés)